Dentro de la diversidad musical que caracteriza al rock mexicano hay propuestas que destacan por su calidad en géneros no convencionales. Fasten es una banda originaria de Puebla que mezcla en su sonido tintes de rock alternativo, britpop y synth pop para ofrecer al escucha una fórmula musical fresca y agradable. A su paso por la Ciudad de México, Resonancia Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Omar,(teclados y sintetizadores) quien nos platicó de los planes a corto plazo de esta genial banda poblana.

¿Cuál es la historia de Fasten hasta ahora?

Omar: Jorge y yo tocamos juntos desde hace 8 años, después de varios proyectos en los que trabajamos juntos, decidimos darle forma al proyecto de Fasten en 2009 con Gyro en la Batería, Jorge en la guitarra y voz y yo en los sintetizadores. Nuestro primer EP titulado Mapas fue grabado en Guadalajara gracias a que tuvimos un acercamiento con Edgar Huerta, (tecladista de Belanova) quien nos produjo el EP que actualmente esta en proceso de post producción.

¿Qué es lo mejor y lo peor de tocar en una ciudad como Puebla?

Omar: Lo mejor es que es una ciudad bastante amigable y en la que puedes ganarte el cariño de la gente fácilmente. El último show que dimos en Puebla fue muy padre, tuvimos una gran asistencia y realmente fue como tocar en casa. Otra ventaja es que estamos muy cerca de la Ciudad de México, con el tráfico del DF nos tardamos lo mismo en ir de Puebla al DF que en ir de la Condesa a Ciudad Satelite. ¿Y lo peor? Bueno, no puedo pensar en una desventaja de vivir en Puebla.

¿Cómo definirías el sonido de Fasten?

Omar: Fasten es un conjunto de muchas influencias, pero finalmente lo que hacemos es música pop mexicana independiente. Aunque tenemos muchas influencias de bandas como Daft Punk, al final nuestra música tiene que ver con los sonidos que nos han rodeado toda la vida así que lo llamaría Mex Pop.

Me llama la atención la estética tan cuidada de Fasten en su imagen personal y en el video de su sencillo “La Salva”. ¿Hay alguien que los asesore en este aspecto?

Omar: La verdad es que siempre quisimos hacer un concepto nuevo. Así que la idea fue crear un concepto visual que tuviera congruencia con la música que tocamos. Estamos influenciados por el movimiento Mod de los sesentas, de manera que nuestro vestuario y peinados tiene que ver con esa estética. Tenemos un amigo que se llama Lenin que nos ayuda con el vestuario y los cortes de cabello, pero en general es un concepto creado por nosotros mismos.

¿Qué nos puedes adelantar del proceso de grabación de Mapas?

Omar: Son 6 temas los que integran este EP. Decidimos llamar “Mapas” a este material porque las canciones tienen mucho que ver con un instante particular de nuestra vida. Nos dimos cuenta que al poner los nombres de estas canciones sobre un papel, trazábamos mapas de situaciones por las que habíamos pasado.

Aunque el disco en formato físico estará disponible hasta mediados de Marzo, hicimos una presentación para la versión en iTunes y grbamos un video que pueden ver en youtube llamado “Trazando mapas”. Es un mini documental de 26 minutos en el que tocamos todos los temas y hablamos del grupo en una locación en Cholula, que nos presentaron especialmente para ese fin.

¿Con que otras bandas de la escena de rock mexicano se sienten identificados?

Omar: Hay muchas bandas amigas de Puebla como los McCallister y Reno con las que hemos estado tocando últimamente, también nos llevamos bien con los Robot Junkie de León y del DF hemos tocado ya varias veces con Fobia y Zoé. Aunque no tenemos el mismo concepto musical, nos identificamos mucho por el mensaje de las canciones y por pertenecer a una escena musicalmente muy diversa.

¿Qué tanto lugar hay para la improvisación dentro de sus show en vivo?

Omar: Después de varios shows, hemos desarrollado la capacidad de hacer conciertos muy dinámicos. Cada vez que tocamos tratamos de sorprender al público juntando dos canciones en una, incluir un fragmento de una canción distinta o improvisar con los instrumentos. La verdad es que el factor sorpresa siempre esta presente en nuestros shows.

Finalmente, ¿Qué proyectos a corto plazo nos puedes adelantar?

Omar: Este año estaremos muy ocupados presentando el disco por todo México. Una de las presentaciones más importantes será la de la Ciudad de México, que tendrá lugar en el Bull Dog Café el 17 de Marzo. Invitamos a los lectores de Resonancia Magazine a seguirnos en nuestra página oficial www.fasten.mx donde informamos las próximas tocadas y frecuentemente regalamos contenidos exclusivos. Ahí también está el enlace a nuestras cuentas en redes sociales donde pueden contactarnos, pues nosotros mismos atendemos las cuentas.

La Filmoteca de la UNAM anteriormente ya nos había sorprendido con su cine en línea, la exposición itinerante Carteles de Cine Mexicano en el Extranjero y la próxima reapertura de sus salas de cine Julio Bracho, José Revueltas y el nuevo espacio Carlos Monsivais en el Centro Cultural Universitario en Ciudad Universitaria, proyectos sobre la preservación y la difusión del cine a los que se suma el Museo Virtual de Aparatos Cinematográficos (Muvac), en el cual se exhiben los primeros precinematógrafos que llegaron al país, los cinematógrafos y una sala donde se muestra el ingenio mexicano, con artefactos descompuestos que bajo manos hábiles han vuelto a funcionar.

Carmen Carrara, subdirectora de difusión de la Filmoteca de la UNAM, presentó el portal que mostrará 200 objetos, de los 400 que posee la institución, y que han sido preservados y donados por coleccionistas, directores, productoras, distribuidoras y particulares para ahora ser exhibidos en Internet por dentro, por fuera, en funcionamiento y con detalles muy específicos sobre su historia.

Debido a que nunca se han mostrado en un espacio físico (porque no se cuenta con uno), el Muvac cumple con el objetivo de digitalizar el acervo para mostrarlo, en ese sentido no sólo se trata de aparatos, también contempla objetos, vestuario, carteles y fotomontajes que son parte importante de la cinematografía nacional y que podrían incluirse en otra exhibición fuera de Muvac.

El Muvac consiste en dos salas de inicio: precinematográficos, donde se exhiben aparatos que previos a la invención de los hermanos Lumiere como son el zootropos, el praxinoscopio y la linterna mágica. En la segunda sala se encuentran los objetos Cinematógraficos divididos entre profesionales y Amateurs, con cámaras y proyectores de 8 a 16 milímetros; y finalmente la del Ingenio Mexicano, donde vemos reparaciones exóticas en instrumentos delicados.

Lo interesante del museo no sólo son las imágenes de aparatos de otra época, sino las animaciones logradas con cientos de fotografías tomadas desde todos los ángulos, que junto con el anecdotario de cómo llegó cada pieza a la Filmoteca de la UNAM, te permite realizar un largo recorrido que te hace interesarte en otra área del cine, trascendiendo las salas en la oscuridad, porqué es verdaderamente la otra historia del cine nacional, que tiene una antigüedad que data de 1896, ocho meses después de su aparición en París, siendo en esos inicios un verdadero semillero de tomavistas de Porfirio Díaz y con Salvador Toscano involucrado en su realización desde 1898.

Pueden visitar el Muvac inmediatamente, gratis y sin moverse de su silla, aquí.

La semana pasada tuvo lugar la primera edición del CROMAfest en la ciudad de México. Aunque el pronóstico ante un evento tan vanguardista y ambicioso suele ser reservado, el festival cumplió con creces una de sus premisas básicas: Vincular a las empresas, desarrolladores y  público en general en un mismo entorno tecnológico.

Aunque gran parte de las conferencias y talleres del festival se llevaron a cabo en un lenguaje de alta tecnología, la vinculación con los espacios urbanos y el público fueron algunos de los puntos más destacables del evento. El corredor de las colonias Roma y Condesa de la Ciudad de México fueron las locaciones que albergaron eventos como:  Proyecciones al aire libre de cortometrajes animados, sesiones de Focus Group con el público, en la cual presentaron su trabajo cuatro estudios de animación mexicanos y diversas actividades interactivas en el espacio público, como la instalación de una cabina de proyección de animaciones en cine estereoscópico en pleno Parque México.

En ese mismo lugar, los niños pudieron disfrutar de la instalación de estaciones de videojuegos con una gran variedad de consolas y títulos de la marca japonesa Sony, así como una pantalla de videojuego colectivo instalado en el citado parque España.

En el foro Plaza Condesa tuvieron lugar 30 conferencias académicas y paneles especializados, talleres, clases magistrales y mesas de reflexión en torno a la educación en México. También se abordó el proceso de formación para la producción audiovisual y sobre industrias culturales y ciudades creativas que contó con la participación de Edna Dos Santos, jefa del programa de economía creativa de la ONU.

También se llevó a cabo la Premiación del Primer concurso Internacional CROMAfest de Animación, en el Plaza Condesa. En la selección internacional, el León CROMAfest se lo llevó el canadiense Isaac King por su corto “Second Hand”, que cuenta la historia de un hombre obsesionado con su rutina laboral, obsesionado con el reloj – quizá muchos de ustedes se identifiquen – al que de pronto algo le sucede con sus vecinos.

Second Hand from Isaac King on Vimeo.

El ganador de la selección nacional fue: Luis Felipe Hernández con su corto “Martyris” creado en stop motion, con una narración melancólica, nostálgica y oscura de un pequeño niño de porcelana.

En el ámbito profesional, CROMAfest destacó por la interacción entre empresas y emprendedores. Se organizaron cinco sesiones de reclutamiento con la participación de 18 empresas vinculadas al ramo tecnológico y  la difusión de las propuestas de 18 casas productoras mexicanas en busca de inversión.

Entre las actividades que nos sorprendieron durante nuestras visitas a los eventos nocturnos en el espacio público destaca el Video Mapping interactivo “Los Puntos y las Líneas” y el muro interactivo, desarrollado por el estudio Hotpixel con el apoyo de la marca japonesa NEC en el Parque España.

Esta actividad tomó como referencia los elementos más básicos de la geometría que componen a una imagen, como el punto, la línea y el círculo, para crear una escultura audiovisual interactiva. Además, la proyección estuvo en todo momento vinculada a la tecnología y las redes sociales, ya que se vinculó a TWITTER como plataforma principal de composición, mediante el uso de “Hashtags” específicos, así como  la intervención de los asistentes que, a través de su conexión a internet (smartphone, iphone y ordenadores), decidieron que imagen generar.

Muro Interactivo: En las instalaciones de CROMAFEST, NEC y Hotpixel instalaron una inmensa pantallade tres metros de altura por ocho metros de longitud  donde el visitante tuvo la oportunidad de tomarse una foto e intervenirla.

Para Andrés García, Gerente de Mercadotecnia para NEC México :“EL mayor interés de NEC es apoyar a los talentos mexicanos en el ámbito de la tecnología de punta y ayudarlos a crear nuevos e innovadores proyectos, porque gracias a las nuevas ideas avanza la industria y el país”. 

Vinculación, networking y mucha divulgación de las nuevas tecnologías fueron los grandes aportes de CROMAfest, un festival que llegó para quedarse y que seguramente cobrará gran importancia como escaparate de las nuevas tecnologías en el corto plazo.

¡En hora buena CROMAfest!

En el mundo del showbiz hay pocas relaciones de amor y odio tan pasionales como la del director norteamericano George Lucas y sus fans alrededor del mundo. Esta relación disfuncional es la materia prima del documental The People vs George Lucas, documental que forma parte de la seccion Dedazo del festival Ambulante 2012 y que muestra como la obra de un autor, deja de pertenecerle en función de un culto irracional que se extiende alrededor del mundo.

Si hubiera que mencionar algún caso similiar al del cineasta, tal vez podría señalarse al fallecido Steve Jobs y los productos de su marca Apple como referente debido a que, al igual que Lucas, paso de ser un visionario romántico a un empresario calculador y ambicioso. Ambos personajes dejaron a su paso una obra tremendamente aspiracional, aunque también bastante cuestionable, debido a su desproporcionado ego y su desmedida ambición comercial.

En el documental también se hace un recorrido por el carácter definitorio de las películas de Star Wars en toda una generación de jóvenes durante la década de los setentas. Y es que las cintas de George Lucas le dieron una nueva definición del género de películas de ciencia ficción.

Según ilustra el documental, el éxito de Lucas fue producto de su ferviente visión como creador, de su capacidad para integrar equipos de trabajo talentosos y de su perseverancia ante quienes señalaban sus proyectos como comercialmente inviables.

No es casual que una de las sagas más importantes de la cultura pop haya creado un culto radicalizado en la órbita de sus 3 primeras películas. Las cintas, que basan su mística en la conexión espiritual denominada “La Fuerza”, le dan a la historia tintes religiosos y una nueva y atractiva mitología futurista.

Para muchos de los fans entrevistados en el documental, el poder cultural de la mitología de Star Wars es tan importante en nuestros días gracias a que millones de fans alrededor del mundo cayeron en las ambiciones comerciales del film, pues según ellos, representa una parte de su infancia materializada en la enorme cantidad de juguetes, disfraces y demás memorabilia comercializada por el director.

Hasta aquí, George Lucas pasa de ser una figura intocable y todopoderosa en el imaginario colectivo a convertirse en un ogro engreido y ambicioso. La historia da un giro radical cuando el documental aborda los sucesos de 1997, en los que se anunció la remasterización de la trilogía original de la saga.

Lo que originalmente se anunció como una restauración del fim original, teniendo especial atención en mejorar los efectos especiales con animación y la tecnología del cine digital derivó en una modificación importante de las cintas, que ahora incluían escenas adicionales que desmitifican a personajes ambivalentes, como el corsario espacial Han Solo, en función de darle una personalidad “más positiva”.

Para los entrevistados, entre los que se destacan guionistas, productores y cineastas como Francis Ford Coppola y el escritor Neil Gaiman, la paradoja de George Lucas se divide entre su genuina intención por revalidarse como la mente maestra detrás de Star Wars y su arbitraria desición de sacar del mercado las versiones originales de las películas. Actualmente, las cintas con la versión original de 1977 sólo se pueden conseguir de manera ilegal en internet.

Otro de los puntos de quiebra en la relación entre Lucas y sus fans fue la creación de las precuelas que se estrenaron en 1999 con “The Phantom Menace”. No es casual que las películas de Lucas crearan una expectación comercial sin precedente gracias a la tecnología a su alcance. Desafortunadamente, muchos de los fans se sintieron traicionado y desilusionados al ver por priomera vez las películas, particularmente por la estrategia de acercarse al público infantil a base de crear situaciones cómicas y personajes polémicos, como Jar Jar Binks.

Paralelamente, la desmedida ambición empresarial de Lucas al lanzar una y otra vez rediciones de sus películas originales es catalogada como un engaño por los fans. De hecho, la fijación de éstos por mantener intacta un parte de sus más atesorados recuerdos ha dado lugar a una serie de versiones alternativas hechas por los fans en las que han decidido eliminar escenas que consideran inecesarias (como la controversial aparición de Jabba the Hutt en una versión digital).

Pero pese a las radicales acciones de sus fans, Lucas ha destacado como uno de los empresarios más tolerantes en relación a las libertades que historicamente se han tomado sus fans en torno a sus historias. Razón por las que sus fans, pese a sus múltiples diferencias con sus actos recientes, aún muestran un aprecio especial por el director.

Al final, esta relación de amor y odio entre George Lucas y la gente que atesora sus películas rebasa toda dimensión mediática y entra a los terrenos de análisis sociológico, debido al extremo simbolismo y veneración que millones de personas alrededor del mundo le otorgan a los productos del director norteamericano.

Sin duda, el documental de Alexandre O. Phillipe es uno de los trabajos más divertidos e interesantes en la sección Dedazo del Festival Ambulante 2012.

“Más vale morir borracho que morir de sed”.- John Fante

Publicada originalmente en 1977, La Hermandad de la Uva de John Fante es la representación más pura de la narrativa norteamericana que inspiró a escritores de la talla de Charles Bukowski. Aquí habita Henry, joven escritor de mediana fama, quien acude al rescate de sus padres que están al filo del odio.

Poniendo en riesgo la relación con su propia esposa y sin saber que ha sido llevado entre engaños y chantajes, Henry se acerca al ciclón de autodestrucción que su padre, Nick Molise, ha creado durante toda una vida.

Molise, por otro lado, es un borracho de la vieja escuela empeñado en realizar una última obra maestra y ganar unos dólares extras antes de retirarse como el mejor cantero que todo el pueblo de San Elmo ha conocido jamás. Pero necesita, para esto, un ayudante que le acompañe en su travesía: su hijo, Henry.

Y todo será un desastre.

Así, la Hermandad de la Uva, publicada en español por Editorial Anagrama, es un tratado sobre las inclemencias y la tragedia de pertenecer a una familia, una hermosa semifábula de alcances superiores a la novela común. Una auténtica joya del realismo.
También, Fante dicta cátedra sobre las discrepancias que la edad y la falta de comunicación interpersonal acarrean. Y sobre todo, y como su nombre lo indica, es la exposición de la amistad como fiel asidero de rescate en medio de la soledad y el drama.
La Hermandad de la Uva es a final de cuentas, el grito de esperanza y la lección que el escritor italoamericano fallecido en 1983 dejó en tinta sobre la última ilusión, que no por ser la última deja de ser tan importante como las anteriores.

La Hermandad de la Uva
John Fante
Anagrama, Barcelona, 2004

Por Mario Juárez.

En este mundo hay muchas cosas por descubrir. En la musica pasa algo similar, a diario surgen nuevas canciones que a veces dejamos pasar y que simplemente no llegan a nuestro oídos. Por eso, hoy nos damos a la noble tarea de compartir con ustedes un poco de ello. He aquí mi primera colaboración en Resonacia Magazine.

1. La Sera – “Please be my Third Eye”

La bajista de Vivian Girls ha iniciadora nueva etapa como solista y  el próximo mes de marzo lanzará su primer álbum. Sólo ha dado a conocer 2 sencillos, pero ya nos ha dado  muestra de que es una gran cantautora que puede hacer buena música fuera de su banda (que por cierto,  esta llena de mujeres bellas y muy talentosas). La Sera es otra chica que proviene de la escena de Nueva York (aunque ella es oriunda de Nueva Jersey) Mientras llega la primera entrega de Katy “Kickball Katy” Goodman  aquí les presentamos el video de la hermosa La Sera para su tema “Please be my Third Eye”

2. Tennis – “Deep in the Woods”

Esta banda de Denver lanzó el pasado 14 de Febrero  su segundo album titulado Young & Old , se trata  del esperadísimo regreso del grupo Tennis que, con su primer disco Cape Dory, (2010),  ya había dado mucho de que hablar. En este nuevo trabajo se nota una gran evolución musical que al menos por el momento, nos hace pensar que la maldición del segundo disco ha quedado superada. El material fue producido por Patrick Carney (The Black Keys), factor que se escucha en su música y que ayudó mucho en la busqueda de un nuevo sonido. Aquí les presentamos el video de “Deep in the Woods” dirigido por Scott Laidlaw.

3. Computer Magic – “Electronic fences”

Nueva York siempre ha sido ha sido una ciudad importante para la musica. De ahí han nacido muchos movimientos, tendencias y e infinidad de bandas. Computer Magic (Danielle “Danz” Johnson) es una chica que emerge de Brooklyn, NY. Aunque ya tiene un par de años en la escena y algunos Ep’s en el mercado, este año verá la luz un nuevo material suyo titulada “Orion”. De su Ep “Hiding From Our Time EP” te presentamos nuestra propuesta musical: “Electronic Fences”

4. The N’ere Dowells – “Spend Time”

Y ya que hablamos de Nueva York. Les presentamos una nueva banda: The N’ere Dowells (nair-do-wells). Y de verdad que es muy nueva, sólo tienen tres canciones y la verdad suenan muy bien para ser una banda “indie” que apenas comienza. Provenientes de Brooklyn, New York. Sus integrantes (Gio, Jack, Dexter y Theo) son muy jóvenes pero ya tienen idea de como hacer una buena canción. Esperemos que pronto lanzen un album completo ya que el tema que te presentamos “Spend Time” deja la sensacion de querer escuchar mas.

5. The Men – Ex Dreams

Otra banda que tambien esta haciendo mucho ruido en los circuitos underground Neoyorkinos (y vaya que dichos circuito son muy ruidosos) son los rockeros de The Men. Sus actuaciones en vivo son energéticas y explosivas. El año pasado sacaron un album llamado “Leave Home” que recibió mucha atención en diversos medios. En este 2012 regresan con su segunda entrega llamada “Open Your Heart” que verá la luz el próximo mes de junio. Pero mientras llega el álbum, (y se dan tiempo de grabar el video oficial)  aquí les presentamos “Ex Dreams” segundo sencillo de lo nuevo de The Men.

La música es una fuerza tan fuerte e inspiradora, que es capaz de  trascender los sonidos y plasmarse en imágenes. Así lo demuestra la exposición ”Seguiremos siendo. Ilustrar a Café Tacuba” que a partir de este mes se presenta en el Museo Universitario del Chopo.

Se trata de más de 40 de ilustradores, diseñadores, artistas visuales y estudiantes  mexicanos que muestran su  visión de los temas de la banda de Ciudad Satelite. La exhibición se integra por 48 carteles trabajados en diversas técnicas que ilustran temas clásicos de la banda, como: “El baile y el salón”, “Chilanga banda”, “La ingrata”, “Rarotonga” y “ “Eres”,  entre muchas otras.

Esta colección de trabajos es resultado de la iniciativa del despacho de diseño XPlaye, de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León y de varias organizaciones culturales y sociales de Monterrey. Cabe recordar que Café Tacuba es una de las bandas consentidas de la comunidad dedicada a las artes visuales, ya que Rubén Albarrán y Joselo Rangel estudiaron diseño gráfico en el campus Azcapotzalco de la Universidad Autónoma Metropolitana de la Ciudad de México.

Esta no es la primera vez que estas asociaciones se unen para celebrar el maridaje entre música y diseño. El año pasado, Xplaye Diseño realizó el homenaje de ilustración al músico argentino Gustavo Cerati, en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, dentro de  la Galería de exposiciones de CONARTE (Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León).

“Seguiremos siendo. Ilustrar a Café Tacuba” estará abierta al público hasta el domingo 13 de mayo de 2012 en la Galería Alternativa del Museo Universitario del Chopo. Horario: martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas. Costo de entrada: $30.00 pesos, estudiantes y maestros con credencial vigente: $15.00. Martes entrada libre.

Michael Rapaport no sólo es actor y director, también es un ferviente fan del hip-hop capaz de lograr que los 26 años de historia de A Tribe Called Quest cobren nueva vida, incluso cuando los neoyorquinos no han grabado un nuevo álbum en años, todo gracias a las razones de fondo para que sea uno de los actos legendarios del hip-hop.

El título engloba todo: el ritmo, las rimas, la vida y los viajes, palabras que afianzan directamente un filme que inicia por el final, la ruptura de A Tribe Called Quest, el proyecto que Q-Tip (Jonathan Davis), Pfife Dawg (Malik Isaac Taylor), Jarobi White y Ali Shaheed Muhammad formaron para seguir los pasos de Run-DMC y LL Cool J. con creatividad, ritmo y sampleos, prácticamente cambiaron la cara del hip-hop.

Pero eso nunca basta para un documental, es necesario profundizar en los protagonistas más allá del marco de Bonita Applebaum o I Left My Wallet in El Segundo, las canciones sirven para entender de dónde surgieron musicalmente, pero el filme es sobre fricción, con el tipo de roces que convierten el oficio de hacer música en un suplicio difícil de mantener lejos del escenario.

Rapaport consigue la dinámica de un grupo que lucha, incluso ahora que se llevan lo suficientemente bien como para recibir un pago – de nuevo, pero también nos habla de los actos que surgieron en la era del boom box, momento en que la burbuja se rompía a frases en las calles de Brooklyn y Queens.

Los testimonios — de productores, DJs y actos afines — llegan con velocidad y furia, mostrando el origen, las ideas y la innovación de A Tribe Called Quest, la formula musical es decodificada al igual que los enfrentamientos en backstage donde el ego y las enfermedades aclaran panoramas.

Todo es ganancia, Beats, Rhymes & Life va más allá de esos simples elementos, a veces es divertida, por momentos es un guiño únicamente para fanáticos y en otras demuestra que el hip-hop no sólo es sobre violencia en las calles o conciencia social, también es sobre el espíritu sónico que lleva a colectivos como Native Tongues a pensar tan sólo en términos del groove.

Tal vez Michael Rapaport es un ardiente fanático de ATCQ, pero su filme no los convierte en héroes, no se va por lo seguro al haber estado en el momento correcto y con acceso a todo, hace consciente la historia al llevar el documental sobre música arriba de la norma, no se queda con las entrevistas a la luminarias del hip-hop como De La Soul, Jungle Brothers, Beastie Boys, The Roots, Kanye West y Common, las imágenes de archivo y los detalles internos.

Verdaderamente revela las inspiraciones culturales, el proceso creativo, la trayectoria y los momentos clave, también apunta hacia un momento específico que puede ser tan claro como la portada del disco Midnight Marauders o el muro de personajes famosos del barrio que vieron durante toda su adolescencia los integrantes de A Tribe Called Quest.

Beats, Rhymes & Life: The Travels of A Tribe Called Quest es parte de la sección Sonidero de Ambulante Gira de Documentales 2012, consulten las fechas y sedes en las que se presentará en www.ambulante.com.mx

Como ya muchos saben, la semana pasada empezaron los periodos de precampañas con miras a las elecciones presidenciales del primero de Julio. Ahora mismo estamos en una relativa calma, de esas que anuncian la tormenta. Muchos ya nos tememos la intromisión de tres campañas de altos vuelos en nuestras vidas a través de la televisión, internet, anuncios en la calle, llamadas telefónicas y seguramente conversaciones en familia. Será imposible ignorar que en México se vivirá una elección que por lo pronto, si parece de tres competidores y no de dos, como ha sido costumbre. Ante ese panorama han surgido sitios como elmenospeor.com, que pretende exponer las principales características de los tres candidatos.

A partir del 29 de marzo, cada uno de los candidatos tratará de crear (por no decir vender) una imagen que muy probablemente poco tenga que ver con la realidad. Algunos han señalado que Peña Nieto ya no será el joven viudo que supera los obstáculos para convertirse en hombre de familia; a la Reagan, pretenderá usar su “sex appeal político” para ganar votantes de ambos sexos. La candidata Vásquez Mota usará su capital femenino hasta donde se pueda y aprovechará el discurso que también repetirá el presidente para sustentar su campaña. AMLO, ahora incluso halagado por Gómez Leyva por seguir puntual el script de que quiere sanar su imagen tras las campañas de difamación del 2006, tendrá que sopesar si la república amorosa es tan efectiva como el López Obrador encarador del pasado.

Nótese que sólo hablamos de imagen; no del pasado, ni de resultados en el gobierno, ni de escándalos sobre fraude o la calidad misma de los candidatos. El menos peor termina por participar en esa misma dinámica al ser a la vez, una exposición de datos no conectados, en forma de compilado de campaña de cada uno de los participantes; lo que termina por estar más cerca de la imagen (al fin superficial) del candidato que de aquellas historias que hay detrás de cada uno. Es necesario que cada una de esas historias se conozca si en verdad se pretende dar un panorama real de lo que se decide el próximo primero de julio.

La visión que se presenta, desde el título, es una muy sintomática con aires de resignación y pasividad. No es para menos. La página es exitosa, en gran medida, porque ha podido reconocer esa situación entre los mexicanos más presentes en internet y la ha llevado a la práctica. Lamentablemente, aunque el esfuerzo es admirable y oportuno, no es suficiente (y eso es responsabilidad de los votantes). Esa visión por si sola nos hace olvidar que los tres candidatos tienen un partido detrás, con una historia particular; eso genera un sentido de igualdad entre los aspirantes que ignora los sucesos del presente sexenio, los gobiernos priistas o los momentos del PRD en el poder, también deben ser un factor en la balanza.

Cuando Macbeth ve los bosques caminar anunciando su caída, aún se reconforta al saber que aquel que lo vencerá, un hombre no nacido de mujer, no es posible. Su inmunidad dura poco porque la retórica, madre de la mercadotecnia, lo puede todo.

Todas las imágenes fueron tomadas del Elmenospeor.com

Los organizadores del Festival de Cine UNAM (FICUNAM) dieron a conocer en conferencia de prensa los detalles de su segunda edición, que con sus 115 títulos de 25 países marca la reapertura de las salas Julio Bracho y José Revueltas del Centro Cultural Universitario, cerradas por remodelación y que ahora contarán también con una sala dedicada a la memoria del escritor Carlos Monsivaís.

FICUNAM tendrá lugar en la Ciudad de México del 23 de febrero al 1 de marzo y posteriormente extenderá su programación con una muestra de su selección en la Cineteca Nuevo León de Monterrey y en Oaxaca Cine. En su edición 2012 contará con la participación de artistas y cineastas que exhibirán sus obras durante los siete días de festival, participando en actividades académicas, sesiones de preguntas y respuestas, encuentros y clases magistrales.

Este año FICUNAM también ofrecerá la perspectiva de la directora Eve Heller, Detrás de este suave eclipse, e inaugura una nueva sección: Cámara Lúcida: La Evolución del Documental. Además, habrá funciones especiales y tendrá lugar la quinta sesión de la Cátedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro, que abre sus puertas “para estimular la curiosidad de los espectadores con diálogos y conferencias magistrales a cargo de reconocidos invitados internacionales”.

El festival se llevará a cabo en diversas sedes que incluyen el Centro Cultural Universitario (CCU) de Ciudad Universitaria, con cinco salas de proyección: la Sala Miguel Covarrubias, las tres salas remodeladas del Centro Cultural Universitario y el auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MuAC), pero la programación de FICUNAM temabién llegará a otras zonas de la Ciudad de México, teniendo al Cinematógrafo del Chopo, el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, FES Acatlán, FES Aragón, Cinema Lumiere Reforma, Cine Lido de la Cineteca Nacional, y las Fábricas de Artes y Oficios (Faros) de Oriente, Milpa Alta, Tláhuac e Indios Verdes) como sedes alternas.

Con largos programas de documentales, largometrajes en competencia, óperas primas, retrospectivas, coloquios de escuelas y cine radical (en ésta edición), simposios, conferencias, presentaciones de libros y talleres, definitivamente FICUNAM se encamina a convertirse en una verdadera fiesta para los amantes, creadores y cinefilos serios.

Para más detalles sobre la programación y todas las actividades alrededor del festival, visiten su sitio oficial.

FUNCIONES ESPECIALES‘

Inauguración
Jueves 23 febrero/ 20:00 horas.
Sala Miguel Covarrubias (CCU)
WUTHERING HEIGHTS/ CUMBRES BORRASCOSAS
Andrea Arnold | Reino Unido | 2011 | 128 min

Autocinema
Martes 28 febrero/ 20:00 horas.
Estacionamiento 4 del Centro Cultural Universitario
THE SUBSTANCE – ALBERT HOFMANN’S LSD / LA SUSTANCIA – EL LSD DE ALBERT HOFMANN
Martin Witz | 2011 | Suiza | 90 min

Clausura
Jueves 1 marzo/ 20:00 horas.
Sala Miguel Covarrubias
KEYHOLE/ EL OJO DE LA CERRADURA
Guy Maddin | Canadá | 2011 | 105 min